西方最大但人文艺术视频 西方艺术流派主要有哪些

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视频艺术的视频艺术的发展

从技术发展来探讨，1951年美国Ampex公司首先开发录影机（VTR），使用两英寸宽磁带录放节目，1965年SONY盘式携带型黑白摄影机系统推出（半寸录影磁带、螺旋式扫描、电晶体录影机）。

1970年四分之三寸录放影机系统推出，也增加了录影机剪辑和摄影机使用携带型充电电池的功能，成为专业用的规格。

1972年飞利浦公司推出半寸卡式家用录影机，打开家庭录影市场。之后新力公司的Betamax系统，和日本松下公司的VHS系统祥歼，在家用录影设备占相当大的市场。

1980年代初期，家庭录影机已具备多种功能，其中转、定格、遥控、慢动作、回带快找及数位化计时器等，影带的编辑转拷有相当大的便利性，对艺术家而言预留了一个创作空间。当录影机从笨重的商业型机器发展成廉价千变的手提式时，艺术家便开始尝试使用这种新的媒材创作。

1962年美国传播电视号卫星升空，传播媒体讯息大量流通，电视文化侵入每个家庭；电视普及后带动了周边设备商品化的市场，录放影机及小型摄影机也发展成廉价的家电商品，艺术家便马上嗅觉到这种新的创作媒材，第一件使用电视为艺术创作媒材的作品，是在1963年由韩裔美籍的艺术家白南准（Nam-JunePaik1932-）在德国吴柏托的帕纳斯画廊(GalerieParnass)的个展作品“对音乐的说明-电子电视”，这个展览奠定了白南准操控电视的艺术手法。他当时扭曲了电视节目播送的扮芦接收，并把电视机朝上或朝侧散置于整个房间。同时，他也做了观众和媒体互动的录影作品，扭转了两者间的关系。这些早期性的实验作品打开了此后三十多年来，他将电子影像引进艺术领域的第一步。

最初的录影艺术以电视机为创作媒材，以批判电视节目陈腔滥调观念衍谨缺冲生出的作品。

六O年代录影艺术的观念，受媒体时代的刺激，电视逐渐成为一项反制媒体的媒体，艺术家改变“电视”原有编码系统，并有组织的利用电视/录影/表演等多媒体形式，将整个六、七O年代有关政治的、社会的、艺术的、哲学的、多重关联去做“艺术编码”的创作。

录影艺术“单一化”可说是最初阶的思维，整个机制系统是以电视为母体，不论创作形式改变多大，最后仍回到电视（机）的原点上。艺术家在设法改变人们所认识的“电视影像”，从最初的影像生产及发表，扩充至装置（Installation）上的创作；之后由多媒体融合而成的视觉艺术，使录影艺术形成独立的发展体系。

七O年代“录像投影机”的问世，开始被录影艺术家们大量采用作为作品发表的媒介，改变了对传统录影艺术“电视系统”的定义，一个不经由电视机或监视器传译的系统。

而由电子色光投射出的影像，正好和前阶段的录影艺术观形成分水岭，由“录影”所出发的创作不在局限于区域性的媒体批判，而是更为独立的艺术风格。1960年代初当录影被发觉成为新的艺术媒体时，除影像创作者之外，作曲家、雕刻家、诗人等都不在少数。录影艺术也随着科技与社会的脉动朝着极为多样化的媒体文化方向发展；表现的形式大可分为几项：

（一）视觉影像形式

六O年代末录影艺术正积极的探究此一电子媒体作为创造新鲜美感的工具之各种可能性，主要表现方式，是以电脑来控制录影图象的合成；或是将画面依照明暗的层次区分成几个阶段，分别对应适当的色彩，作出具有动感、半抽象的画意性表现。

1970年代，由于电子音响合成乐器的积极开发，录影艺术结合了音乐与影像，使得录影艺术的表现有了飞跃性的发展，其中以发展出视听效果精致的影像音乐节目MTV。由艺术家所创造的视觉效果被商业广告及电视台节目所挪用及模仿。

1980年代则出现了以电脑绘图领域中所开发的数位式图象合成技术所制作的影像表现。同时，摄影机所拍摄，具有诗或绘画的内涵与特质的影像表现（影像诗、影像绘画）也不能忽视。

录影艺术侵入了诗、小说或戏剧等，在传统上以语言或文字来表现的领域，超越美术的界线，将影像表现的范围扩展至更多元化的艺术领域中。

（二）社会性媒体批判

1965年SONY公司的手提式录影机的开发，给予艺术家掌控画面呈现的自主权。原因是它易于携带的方便性、将录制的场域延展至摄影棚外、影像不经冲洗即时显像的特长。

从六十年代未到七十年代，关心社会环境，以及对大众传播媒体单向性、独占性的特质与现象进行批判的艺术家们，试图利用摄录影的技术来开拓新的传播管道；或专题追踪探索大众媒体所不取材的题目。例如在1975年乌斯科（T.R.Uthco）与蚂蚁农庄团体（AntFarm-DougHall,ChipLord,DougMichels,JudyPorcter）用8-millimeterfilm制作《永恒的画面》（EternalFrame），再创出甘乃迪在达拉斯被刺的景象，对被间接调整过或由媒体延生出的经验，对真实提出质疑与批判。

（三）结合表演艺术与观念艺术

接续早期事件艺术（Events）及偶发艺术（Happening），于1970年代后兴起的表演艺术（Performance），艺术家成为行动者，即兴演出日常的行为；常在要求观众同时演出时，与现场的其他物体形成一个整体的环境为表现形式。

其整体的特色为：视身体为一表现的素材（物体）、重视与公众的对话、经常采取仪式性的形式、戏剧性的要素浓厚。其与出现于1960年代末的观念艺术（ConceptualArt）同样都是重视行为的时间流程，受特定时间因素制约的艺术表现形式，录影技术发挥了记录、保存、传播或作品再构成、再表现的功能。因此表演艺术与观念艺术常使用录影的技术，与录影艺术有极为密切的关连。

（四）装置艺术中的影像表现

表现方式是以摄录影机与录放影机或电脑设备来构成整个展示空间（环境），并由观众直接参与作品的整体构成。摄录影机拍摄下来的影像直接在显示器上显现出来，或观赏者藉感应器与作品互动，实际表现出作品设置场所的状态；观众的形影与行为动作也在显示器上即时显现，这种作品的构成方式一般称为“观众参加型的录影装置”。

此外，还可使用复数的显示器来构成立体造形，将日常使用的电视机（显示器），或从天花板上垂吊下来，或放置于地面上，或与石头、植物等自然素材组合起来；甚至结合环境音乐，引导观者陶融于展示环境中。成为一可传递动态讯息的录影雕刻。

录影装置的发表形式随着技术的进步与设备的不断推陈出新而更趋多样化。投射式的放影设备与数位化多机式的显示器的使用，不但使影像呈现的尺度超越了传统电视的尺寸。而且突破了电视机的形状与比例；后者的数位式功能可以机动性的作影像的分割与组合，画面的呈现更具动感，提供创作者在作品的尺度与构成上更大的表现空间。

70年代西方的录影艺术一般多受器材的限制，比较倾向观念的构成与传达，到了80年代初期以技术导向为主的录影艺术家出现。不论是观念性或是技术性是否为优先考量，70年代到80年代中期录影艺术冲击到大众文化，特别是电视广告及MTV音乐节目的影响，其中画面所呈现的切割、不连续的跳接、超现实的悚栗画面、重复镜头、叛离世俗的造型、及意识型态视觉化的手法…皆被商业电视节目所挪用（陆蓉之，民83）。

80年代中期以后，录影艺术与电脑密切结合，将影像开拓出虚拟的现实，更是前所未有的认知经验。70年代的艺术家在经费及设备的限制环境中，延伸他们的艺术语汇，90年代新一代的艺术家运用高科技的器材和技术，进行整合式的创作，录影艺术的名称再也无法涵盖多元的创作形式。在其独立美学的领域中，结合更多的艺术形式形成为“媒体艺术”。“录影”本身为视觉性强烈的媒体，当视觉、造形艺术家使用这媒体，就成为录影艺术。它是被独立于传统艺术之外的新形式，就像白南准说的：他在作录影艺术时，希望可以让电子影像狂放如毕卡索，抒情如雷诺瓦，理性如康丁斯基，或为比尔?维欧拉，拿起摄影机走在街上，投注的过程与画油画是一模一样的（袁广鸣，民88）。

白南准将科技的发明物“电子影像”，引入艺术的领域中，用艺术的手法操控先进、前卫的媒体，并与当时社会脉动及人文精神结合，为当代艺术注入新的力量。当新的科技领域有突破性的发展，日新月异的多媒体不断形成新的认知世界，新的技术更提升影像媒体的优越性，使科技媒体与艺术的关系，从单纯的辅助性工具转化为系统完整，极具潜力的主观性创作领域。媒体艺术家的创作也积极的尝试转换资讯的一般形态，来创造新的艺术表现与新的美学。

1970年以后高科技产品发展迅速，电脑、雷射光线、传真机、影印机、卫星传播等。这些尖端科学技术，都成为创造想像和架构的创作工具，这些新的媒介能模拟真实世界，也能创造出幻想境界中的种种景观，在录影艺术创作与科技发展愈来愈密切关联的同时，对于作品创作过程中随取技术的本质，使得艺术家必须依靠更多的科技工具完成作品，创作的控制权就更加的模糊。

自八O年代以来对录影艺术影响冲击最大的莫过于“电脑”的介入，它几乎瓦解了所有传统的录影艺术形成理论；并给予影像新的沟通传播方式，如网际网路、虚拟实境、视讯会议…等等，过去经由电子摄影机所撷取到的原始影像在也不再是作品的“文本”，而经由电脑数位化后的重组影像也只是构成系统的一部份，这个“被数位化的过程”才是录影作品的主体；艺术家使用新兴媒材的同时，结合更多的文化界如音乐家、表演艺术家、舞蹈家的合作，使录影艺术的创作活动进入另一个论述空间。“录影艺术”的名称无法满足多媒材创作的形式，“媒体”Media也由名词的的界定转为一种观念。以科技媒材作为媒体艺术媒体创作的限制与特性分述如下：

一、无法纯粹由手工处理，必须经过机器设备（放影机、电视、电脑或投影机），影像才能呈现。

二、呈现品质与使用的科技设备有绝对关系，直接影响作品呈现效果。如影像必须透过摄影机拍摄及放影机播放，摄影机及放影机就直接影响影像品质。

三、作品中媒体与商品（电器）混合呈现，纯艺术Fineart受到考验。

四、创作技术过于专业，艺术家必需与工程师合作完成作品。

五、作品的呈现受限于展场空间及设备。

媒体艺术创作特性：

一、艺术家可藉科技设备任意转换视觉性空间。

二、经由影像编辑，易于操控、重组及压缩时间，改变时间的线性。

三、声音与影像可无限的复制与修改，作品可同时展示于多处。

四、可即时性与互动性的纪录及播放。

五、任意的搭配组合，创造新的意义。如录影可以描写真实、或重新将种声音与影像组合改变原意。

六、广义的媒体艺术括了录影艺术，声音的艺术，录影装置艺术、录影投影装置、互动艺术、机械艺术、光艺术、照相、电影、表演。在高科技技术整合艺术媒材所称的科技艺术，也都包含在内。电子媒材的出现，使得二十世纪以前的艺术家赖以表现的媒材，作为追求作品完美的方式以不合时宜，即使艺术家在现代，也不断的使用混合材料与新的电子科技媒材来表达新世纪的艺术观。

当录影成为一种艺术时，它就被建立在复杂而专业的知识上，艺术家不但需要有美学素养外，更要能学习运用新的科技媒材与专业知识。录影艺术发展到现在不只表现影像的内容，而是将影像结合声音艺术、装置艺术、录影投影装置、互动艺术、机械艺术、光艺术、照相、表演及高科技设备等，而形成为复合式的媒体艺术；在创作中，艺术家不但要有摄影师的技术及内涵外，也要有电影导演诠释剧本的修养；在结合其它艺术形式时，又必须要有其它领域的特色，在形式表现的拿捏就必须注重，所以媒体艺术在创作前，必须了解艺术的发展脉络及媒材的特性，更要注重美感的表现。艺术创作角色也由“操作”转向“理解”；现代的录影艺术家必需提供完整的“思想观念”，主导性地将多种媒材再造与整合。

关于西方艺术史

关于西方艺术史，尽管不少老师多次强调它对于提高艺术鉴赏力和夯实美学基础的重要性，遗憾的是大学课堂并未讲授，我只能自己到文艺书厅翻阅那些精美的画册，感叹于《泉》那样优美的裸体绘画，还有出土的断臂维纳斯、恢宏的罗马斗兽场、巍峨的哥特式教堂，等等，都给我留下过深刻的印象。因此常常神往像叶芝那样《驶向拜占廷》：“那不是老年人的国度。青年人/在互相拥抱……我就远渡重洋而来到/拜占廷神圣的城堡……请尽快把我采集进永恒的艺术安排……在金树枝上歌唱/一切过去、现在和未来的事情/给拜占廷的贵族和夫人听。”

一、寻找西方艺术史

我一直没有系统读过西方艺术史，因为书架上的教材、读本大多被翻得残旧难看，还有一股难闻的尘味，我屏住呼吸翻了几页，见理论太多、插图太少，就兴趣索然，宁愿继续去翻看提香笔下的那些健硕裸女。作为一个刚满18周岁的成年男子，知慕少艾，却未谙女体，此时与其说是欣赏西方艺术，不如坦白招出自己好奇的性心理。

欧洲的天才人体画家们常常将仙女绘成专食人间烟火的欲女，如提香的《乌尔比诺的维纳斯》，让美神成熟的裸体斜躺于榻上，两眼含着渴望、期待、挑逗、茫然和无所谓的神情，既像思春的贵妇人，又像淫荡的妓女，仿佛在等待着情人或顾客的来临。那时我听说过一点古希腊艺术的知识，就以为表现性与肉欲是西方绘画的主要特点，却忽视了提香在维纳斯后面画的两个人，其中一个双膝下跪似在祈祷，代表了画家的某种宗教情怀。对此画的理解，要将诱人的肉体和背后的祈祷联系起来才算完整。

若干年后，我找到了一个比较好的版本，海南出版社2000年版的《西方艺术史》，图文并茂，几乎每页都有艺术作品的插图，看起来清爽多了，唯一的缺陷是理论诠释过于简略，许多地方看起来似懂非懂。幸好我曾零星看过一些艺术赏析的书，所以勉强能接受。

此书由四名欧洲学棚胡者编撰，原名“Thehistoryofart”――艺术史。这种欧美中心论的治学方式钩起了我心理的一点不快，毕竟书中只有欧美的艺术，相信译者看了也有这种感觉，所以转译为《西方艺术史》。

二、文艺复兴之前

西方艺术起源于何处？文艺复兴期间有一幅名画叫《维纳斯的诞生》，刚从海洋泡沫握和做中诞生的维纳斯站立在一只蚌壳上，两位风神把她送到岸边，时辰女神拿着花斗篷前来迎接，天空下着玫瑰花雨，海面微微泛起波澜。这大概就是艺术诞生的隐喻。

神话传说、祭祀、狩猎、性爱、生育、史前洞穴……沿着时间的脚印巡礼西方艺术，可以发现法国拉斯科洞窟的原始绘画也充满了抽象、象征的意味，令人想起印象主义和现代的某些画风。

尽管美索不达米亚和埃及等地中海沿岸地区都对西方艺术的形成产生过重要影响，但真正起决定性作用的无疑是伟大的古希腊文明。希腊人除了给我们留下动人的神话故事，还有雅典娜、宙斯、赫拉和巴底农等立柱式的神庙，因其对石材的广泛应用而保存长久；至于人体艺术，他们更是鼻祖。在中国人在艺术创作中羞涩地隐藏起自己的胴体时，他们很早就提出人体的最佳比例：身高7至8倍于头长；并奉献出了《掷铁饼者》等大量完美的裸体雕像。即使在希腊化时代，也有一只极其帅气的亚历山大大帝头像，实在想不到他就是那个曾经纵横欧亚大陆的军事统帅，和神话中的阿喀硫斯一样战无不胜，可惜英年早逝。希腊时代的人体艺术品，无论男女，在体型、气质方面都达到了无可企及的美境。

罗马帝国的艺术承自希腊，但《披甲的奥古斯都皇帝》繁琐的衣甲抑制了人的生命力，自以为是的领袖架势已显造作，美感远远逊色于希腊裸男。中世纪无论是拜占廷、罗曼还是哥特艺术，除了建筑风格尚可欣赏之外，那些神祗和人物画看起来很气闷，这是欧洲的阳萎期，而同期的唐朝诗人李白“仰天大笑出门去，我辈岂是蓬蒿人！”唱响了盛唐艺术的最强音。

三、文艺复兴之后

直到文艺复兴，人文主义思潮的传播才使西方艺术重段衡新勃起。达芬奇、提香、波提切利、米开朗基罗等天才重拾希腊精神，将西方艺术提升到了新的层次。《蒙娜丽莎》不必多说。米开朗基罗的雕塑《大卫》也是世界艺术史罕有的杰作：大卫这个《圣经》里的英雄充满自信地站立着，向人们展示了他的健美身材，左手拿石块，右手下垂，头向左侧转动，面容英俊，双目有神，英姿飒爽，身体中积蓄的强大力量似乎随时要爆发，代表了伟大的人文主义精神。此雕像的复制品至今仍屹立在意大利佛罗伦萨的市政广场，原件则在博物馆严加保存。可惜书中仅选了多纳太罗的《大卫》雕像，虽然也不俗，但比米氏差了一个档次。

文艺复兴向前演变，就产生了“巴洛克”、“罗可可”等术语。前者原指形状不规则的东方珍珠，后词义变宽，表示思想和表达方式的独特、个别、任意性，在艺术创作中表现为对感官、喜庆、浮华和激情的突出。后者原指对岩洞、贝壳和钟乳石的模仿，后被引入室内装饰，日益走向日常生活，变得越来越世俗化。这个时期的西方艺术给我印象深刻的是罗马圣彼得大教堂广场等宗教建筑和巴黎贵族的沙龙以及装饰豪华的宫殿，还有伦勃朗的自画像。

伦勃朗有画自己的嗜好，共画了近百幅，我看到的是他青年、中年、老年三个时期的三张自画像。青年时期他身穿华丽服装、意得志满、嘴唇充满肉感，看起来玉树临风，可以想像他应是一位风流才子。中年时期他眉宇显出疲倦，衣着朴素，已经发福，人到中年百事忧，看来他也难免俗。老年时期他穿着尊贵的服饰，胸前还挂着类似怀表的饰物，清澈的眼睛透出哲学般的深思，嘴角的撇起和隐隐的微笑表示自己已经世事洞明，看清楚了就无所谓。人生的三个阶段，在此得到了充分概括。

四、19世纪的西方艺术

19世纪最先出现的是新古典主义，《马拉之死》、《荷拉斯兄弟的宣誓》等作品告诉我们艺术辞典中离不开责任、宏伟和庄严等词。油画《马拉之死》表现了马拉这个法国大革命的重要领导人刚刚被刺的惨状：被刺的伤口和染红了浴巾的鲜血，握着鹅毛笔的手垂落在浴缸之外，另一只手紧紧地握着凶手递给他的纸条。作者以触目惊心的画面来表现了古典主义的献身精神。《荷拉斯兄弟的宣誓》以罗马历史上的英雄荷拉斯三兄弟向老父亲作出征前的宣誓，表现对国家的忠诚和荣誉感，而旁边妇女们的哭泣哀叹强化了他们刚毅神武的英雄形象。

对于浪漫主义，我们首先要记住雨果的名字，他从理论上阐述了浪漫主义，并在文学和绘画等方面作了重要探索。他的小说《巴黎圣母院》和《悲惨世界》闻名于世；画作《涡石灯塔》以拟人化的手法将灯塔塑造成了为浪漫主义狂飙大声疾呼的旗手。还有载入过中学历史课本的《自由指引人民》（作者：德拉克罗瓦），画中自由女神敞胸露乳、高举旗帜带领革命者向光明前进，非常激动人心。德拉克罗瓦的另一幅画作《萨达纳巴尔之死》表现了国王在围城内准备与所有财宝、骏马和女人一起自焚殉国时的情景，火红的宫床、绸缎、缰绳、辔饰、长幔，国王的眼光从上方倾斜而下，右下角的妇女惨遭割喉，整个画面惊心动魄，具有巨大的艺术爆发力。这幅画就像德拉克罗瓦在日记写的那样：“色彩就是眼睛的音乐，它们象音符一样组合着……无法达到的感觉”。

此后的现实主义更加关注社会现实和平民的普通生活，如米莱的《捆干草者》、莱勃尔的《教堂里的三个女人》等。库尔贝的《画室》应是代表作。他这样描述自己的画作：“这幅画分为两个部分，我处在中央，正在作画；右边是所有股东，也就是说朋友、艺术界的工作者和爱好者。左边是另一个平凡生活的世界，普通百姓、悲惨的人、穷人、富人、受剥削者、剥削者以及靠死人生活的人……一名女裸体模特儿站在我椅子后边。”这幅画极具象征性，画中的画家仿佛就是圣父，用他的画架分开了善恶，进行着最后的审判。

最令我震撼的是其后出现的印象主义。摄影技术揭示了表象的多样性和直接捕捉真实感觉的重要性。印象主义更强调画家的主观感觉和捕捉瞬间的的能力，他们确信风景是依时刻、季节、气候不同而变化的，这种短暂、瞬间的诱惑把他们引向逐渐消逝和无穷无尽的艺术幻想。一般认为这一画派的奠基人是马奈，他的《草地上的午餐》把全裸的女子和衣冠楚楚的绅士画在一起，愉快地聊天、聚餐，以夸张的手法表达了对率真、自由的世俗生活方式的向往，其鲜艳明亮、对比强烈的画法是对传统的突破。

“印象派”一语由莫奈的《印象，日出》所引发，他描绘了法国勒阿弗尔港口一个多雾早晨的景象：一轮红日投射在海上，海水被染成淡紫色，天空微红，水波淼淼，摇曳的小船朦胧模糊，人影依稀可辨，远处的工厂烟囱、大船上的吊车等若隐若现。这来临自他从一个窗口凝望产生的瞬间印象，笔触大胆新奇，开创了一代画风。

梵高的故事相信大家都不陌生，斯通的《梵高自传》已有具体描述。他不是正宗的印象派，但却是真正的天才，就是普通的向日葵也被他画出了生命的真谛。欣赏那幅不朽的画作《向日葵》，可体会到画家像熊熊火焰一样炽热的激情和旋转不停的运动感，还有单纯强烈、粗厚有力的色彩对比，那种激动人心的画面效果充分体现了他心灵的震颤和激情。这时的向日葵不再是静静的植物，而是带有原始冲动和热情喷发的生命体。他画的草鞋、工人等也闪烁着天才的光芒，流露着悲天悯人的情怀。

与印象派相关的大师还有高更、塞尚等。

五、现代艺术的困境和嬗变

20世纪是工业化集大成的时代，钢筋水泥成为广泛应用的建筑材料，建筑在强调美观的同时，更具实用性和世俗性。欧式高楼大厦随全球化走遍世界，五大洲处处皆是，这在城市化的中国尤为泛滥，造成诸城的千篇一律。而我喜欢的经典之作如悉尼歌剧院和贝聿铭为卢浮宫入口处设计的金字塔等在国内非常罕见。

在都市森林中，在两次世界大战造成的人道主义危机中，在意识形态的幻变中，艺术亟需变革。受到象征主义、批判现实主义、印象主义、自然主义和唯美主义等各种思潮影响的毕加索开辟了立体主义的新天地。过去的画家都是从一个角度去看待人或事物，所画的只是立体的一面。受X光透视等现代科技启发，立体主义以全新的方式展现事物，他们从正面不可能看到的多个角度去观察，把几个侧面都用并列或重叠的方式表现出来。毕加索在《阿维尼翁的姑娘们》中，把五个裸女的色调以蓝色背景来映衬，背景也作了任意分割，没有远近的感觉，人物是由几何形体组合而成的，右边两个女子的面孔酷似非洲的硬木人面具，右下角的女子双腿分开令人联想起性和生育，画面下方还有几只水果，充满象征和暗喻，至今仍是个未被说明的秘密。这反映了20世纪现代艺术的特点：作者只提供一个空间和可能性，让读者参与创作，主题在作者和读者的互动中产生（甚至，根本就是无主题）。

康丁斯基更将现代艺术引向了大抽象，使人们对事物外表的的审视转变为“内部参与”。他的作品《带黑色的弓形，154号》中，特定的主题和视觉的判断都消逝了，只借色彩和形状的搭配营造出一种猛烈冲突的动势和紧张，令人想起世界大战或罢工。《白线，232号》以一种松散和气氛性的手法来处理的，色块被一种强烈的直线条图案和规则的曲边所强调，也许想表现宇宙空间和星系的相互作用。

随后的艺术家们越走越远，那些奇思妙想的几何造型和极度抽象的色彩组合令人越来越费解，艺术家企图突破传统，却越来越陷入迷宫，超现实主义、行为艺术……五花八门的术语掩饰不了审美的混乱，至少我对这阶段的艺术并不喜欢。当然也有些艺术家在回归传统，关注现实，以简洁的象征来表达主题，但成就与前两个世纪尚有差距。

至于互联网时代的艺术，读图开始优先于读文，声光特技和电脑制作的发展使创作变得更含混，一切尚在嬗变中，我混乱的脑袋尚未清晰，无定的寻觅中只能欣赏当下和回眸以往。

霜冷长河之际，缪斯也无言。

西方艺术流派主要有哪些

文艺复兴风格、新古典风格、新印象画宽销晌派、摄影流派、立体派。

艺术流派，是一定历史时期内，思想倾向、审美趣味、创作方法、艺术风格等大致相同或近似的某些艺术家自觉或不自觉地结合而成的统一体，或称艺术集团或派别。它在严格意义上指有共同的思想倾向、艺术观点,并有一定的组织形式和结社名称的艺术家团体或画家群体。

中国流派有田园诗派、边塞诗派、江西诗派、香山九老、寻根文学、战后派、新兴艺术派。

外国流派有文艺复兴风格、新古典风格、新印象画派、摄影流派、立体派。

扩展资料

19世纪后半期～20世纪初期流行于法国、欧美乃至世界的一种艺术流派和文艺思潮。

19世纪西方美术的中心在法国，主宰法国画坛的仍然是有势力的官方学院派。

19世纪下半叶法国画界有一部分青年画家反对官方学院派艺术的墨守成规，斗改由于自己的创新作慎锋品不能在官方沙龙展出而强烈反对官方的审查制度，他们要求艺术上的革新和创作自由，经常聚集在巴黎的盖尔波瓦咖啡馆自由交换对艺术的见解，共同寻求艺术创新道路。

19世纪后后半期形成于法国的一个重要的绘画运动，包括1867～1886年期间一批持有相近的观点和采用相近技巧的画家的活动。

这些画家个性十分鲜明，非常讲究实际，没有确定的共同遵守的具体原则。但印象主义最明显的特点则是，力图客观地描绘视觉现实中的瞬息片刻，主要是表现纯粹光的关系。

参考资料来源：百度百科-艺术流派

关于 西方艺术史的 一些问题

1.阿尔塔米拉洞窟,拉斯科洞窟;

2.建筑体量巨大，宏伟壮观，具有强烈的崇高感；雕刻朴素写实，整体性强，有观念化、宽返行概念化和程式化的倾向；绘画线条流畅优美，色彩丰富。现遗存一些金字塔、雕刻和墓室壁画。埃及艺术是人类最早的文化遗产之一，具有重要的历史价值和艺术价值。

3.古希腊、古罗马雕刻特别是古典时期和希腊化时期的雕刻，其共同特点是追求一种和谐的理想美。它的突出成就集中体现在人像（包括神像）雕刻，特别是人体雕刻上。古罗马的雕刻，其成就集中体现在肖像雕刻上，其特点是既写实而又个性化。

4.哥特式教堂的结构体系由石头的骨架券和飞扶壁组成。其基本单元是在一个正方形或矩形平面四角的柱子上做双圆心骨架尖券，四边和对角线上各一道，屋面石板架在券上，形成拱顶。采用这种方式，可以在不同跨度上作出矢高相同的世伏券，拱顶重量轻，交线分明，减少了券脚的推力，简化了施工。

为了增加稳定性，常在柱墩上砌尖塔。由于采用了尖券、尖拱和飞扶壁，哥特式教堂的内部空间高旷、单纯、统一。装饰细部如华盖、壁龛等也都用尖券作主题，建筑风格与结构手法形成一个有机的整体.

5.艺术成就:达·芬奇比之文艺复兴时期中的任何一人，有更多的、领域更广的幻想。他思想深邃、博学多才。他怀着永无休止的探索精神去研究自然和人生的一切奥秘，他把艺术和科学、理智和情感、形体和精神熔于一炉，继承和发扬了前人的人文主义思想和现实主义表现手法，把艺术推进到一个前所未有的高度，为自然科学的发展作出了巨大贡献。达·芬奇是当之无愧的“文艺复兴时代最完美的代表人物”。

代表作品:壁画《最后的晚餐》、祭坛画《岩间圣母》和肖像画《蒙娜丽莎》是他一生的三大杰作.

开朗基罗代表了欧洲文艺复兴时期雕塑艺术的最高峰，他创作的人物雕像雄伟健壮，气魄宏大，充满了无穷的力量。他的大量作品显示了写实基础上非同寻常的理想加工，成为整个时代的典型象征。米开朗基罗的艺术不同于达·芬奇的充满科学的精神和哲理的思考，而是在艺术作品中倾注了自己满腔悲剧性的激情。这种悲剧性是以宏伟壮丽的形式表现出来的，他所塑造的英雄既是理想的象征又是现实的反应。

6、富丽堂皇而又新奇欢畅，具有强烈的世俗享乐的味道。炫耀财富，不囿于结构逻辑，充满欢乐的气氛，标新立异，追求新奇。代表：贝尼尼

7、它在构图上有意强调不对称，喜用纤细、轻巧的妇女体态的造型和华丽繁琐的装饰，多选择愉悦享乐轻松的题材，用愉快活泼的情调来表现社会生活和神话故事，特别是青年男女的爱情风流韵事。在这些作品中，着重刻画男女调情的细节，甚至追求色相和肉感、性感的描绘，以这种感官刺激的艺术形象迎合上流社会醉生梦死的审美趣味。代表：华托、布歇、弗拉戈纳尔

8、代表：马奈、莫奈、德加、雷诺阿、毕沙罗

他们的艺术成就表现在几个方面：捕捉瞬间的视觉印象、发现阳光下的色彩

、表现内容上的改变、绘画模式的开拓、全新的绘画语言，印象派在绘画史上的突破是史无前例的。它对传统写实绘画的颠覆是深层的慎哗，它并不反传统，但寻找到了一种新的路，确立了不同的观念目标和新的审美价值。

9、抽象绘画已有八十余年的历史，它既不是前卫绘画，亦非已过去的画派，可说是西方绘画传宗接代的正统绘画，直至目前仍方兴不衰。抽象绘画有部分的倾向与中国绘画精神很接近，尤其与中国的文人画，如抒情的和纯绘画性的，在构想上西画也有许多借用中国「禅」的思想及中国画面的空间虚实的利用等等。抽象艺术真可称得上是二十世纪典型的艺术样式，对于广大民众来说，它仍然像喜马拉雅山一样——太高、太远，无从探测，不可理解。

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